彩虹石頭的天空

　　畢業於南藝大古物維護研究所的校友林永欽，不僅目前服務於國立故宮博物院擔任助理研究員，同時也是本校藝術史學系的專業兼任講師。翻開林永欽的修護經歷，不管是政府單位還是民間，計畫案還是個人委託，林永欽是一個擁有豐富經驗的優秀修護師，在業界也是一位值得信賴且頗具口碑的古物維護專家。然而謙遜的他，卻沒有因此而過度的驕傲或自滿，他始終認為自己只是在做自己該做與能做的事情，在獲得踏入故宮的機會後，他認為自己對於未來仍是一本初衷，只要遇到該做能做的事情，做就對了！
　　也許是出自書香門第又來自鹿港的緣故，林永欽生來骨子裡就與傳統技藝和古物文化有著分不開的因緣。他坦言自己從來都不是一個愛讀書的孩子，但卻莫名地對父親的書法與文化藝術相關的事物一直感到興趣。迫於當時的社會時代背景與家人期許，他在五專畢業前始終沒有機會找到自己可以發揮的興趣。退伍後他北上到誠品書店及民間美術公司服務，這五到六年的時間裡雖然工作還算順遂，也沒有受到家人的壓力或工作上的巨大挫折，卻始終找尋不到自己真正的目標與熱情發揮之處。正在迷惘之際，他受到當時的老闆，也是名民間美術的創辦人呂秀蘭女士的影響，讓當時剛剛邁進三十歲的他開始決心去追尋一件可以經營一輩子的專業。
　　離開台北返鄉回到鹿港之後，林永欽參與了傳藝中心所舉辦的「鹿港施鎮洋木雕傳習計畫」，他開始跟施鎮洋老師學習了三年半的木雕工藝，也開啟了後來與古物維護工作的不解之緣。林永欽在施鎮洋老師的眼中是一個專注執著且心無旁鶩的學生，一但是林永欽認定值得做的事，他必然堅持到底，並要求把眼前的事情做到最後。在這段習藝的歲月裡，他的心智與技術同時受到不停重複的焠鍊，除了一改他過去工作時虎頭蛇尾的習慣，也在喜愛的木雕工藝中找到延續的熱情。
　　2000年時，林永欽在施老師的建議下前來報考當時還在草創時期的古物維護研究所，他以自己的專業技術、熱情與個人特質，受到當時的外籍老師威墨林(Antoine M.Wilmering)教授所賞識，也因此開始了他正式踏上古物維護之路。回想求學期間的辛苦點滴，他感謝啟蒙老師威墨林教授的因材施教，讓他能夠在自己的專長與興趣領域上得到最大的發揮；受魏理(Ulrich Weilhammer)老師的影響，讓他在古物修復的知識體系上得到亦師亦友的支持；承林春美老師的主動推薦，讓他能前往德國開拓西方專業的視野與氣度。
　　訪談的過程中，林永欽對德國實習的經驗印象深刻，他認為實習是對所學的一種印證，而國內與對岸目前仍普遍缺乏完善的古物修護實習機制。相對於國外，他置身於當地之後才明白古物維護不僅僅是一門學科與技術，更是一種整體的氣度和涵養。修護大都是從溝通開始的，有良好的溝通才可能有達成最好的修護共識。修護的精神就在於精準，細心、耐心與邏輯能力的培養，是林永欽認為能夠精準達成古物修護任務的必要條件。朝三暮四，心猿意馬的狀態反而無法讓人專注於所執著的事物。

　　在人與科技接觸越來越頻繁的今天，藝術創作也越來越多元化。正在台北的伊通公園畫廊舉辦個展的本校畢業校友洪東祿，再度透過其獨特的創作表現引領觀眾進入反思的意境。這一次在他的創作理念中不再強調任何複雜或深奧的理論架構與意識詮釋，他只想簡單邀請觀眾們去看「我們看見什麼？」。過去洪東祿透過創作、科技與網路世界的概念元素，一次又一次的呈現其對現實社會的觀察，以及對生命意涵的認知與感受，成功的將藝術與科技巧妙的融入作品之中。過去在洪東祿的創作中，一直都不受制於媒材的侷限，洪東祿擅長充分利用各種媒材與多媒體科技，去表達任何他想呈現的意念與符號意涵。也許有很多人會好奇藝術家為什麼總是會這麼多專業技能，但洪東祿卻表示創作本不該有形式或技術上做不到的事，做不到的通常也都不是形式或技術上的問題。走遍世界與中國各地，洪東祿認為還是台灣這個小地方上進行創作最方便，他創作上遇到的各種問題，在台灣總能找到最快最近也最有效率的解決方式。也因此從洪東祿的創作經驗中可以發現，他的創作除了充分展現思考性的意境外，沒有特定的媒材類別或技術限制，所以他總能做到他想帶給人們的驚艷與視覺效果，在他的作品中總是富有人文特色與群體生命價值的探討在內。

　　洪東祿堪稱是當下多媒體運用領域中非常優秀的台灣當代藝術家之一，他的作品既有豐富的藝術思考內涵，又具備著時尚有流行感，甚至還曾結合商業元素的形象廣告，成為瑞典ABSOLUT公司的永久典藏。身受動漫世代影響的洪東祿經常利用多媒體來呈現魔幻的視覺效果，並將多元文化混合的當下社會現象和個人的創作理念相結合，創作出一列，不同時空、文化背景、歷史符號、消費習慣與價值體驗的超時空感受作品。對於卡通電玩人物的延續性更一直是洪東祿創作中一項很重要的符號語言，他的作品每每都能賦予那些為人熟知的角色一個新的意義與表現。他的作品時而輕鬆優雅，時而神氣十足，時而小小造次，時而詭異驚奇，往往帶給觀者一種詭異奇幻的想像空間。自1999年洪東祿參加威尼斯雙年展台灣館的展出後，從此他的作品即成功的登上國際舞台。2000年因911事件的影響，洪東祿受到很大的刺激，他也自此改變創作心態，不再於作品中強調視覺的衝擊與刺激效果，開始引用大量的宗教元素進行創作。運用電腦科技塑造出一個如中國民間神話裡哪吒一般的東方角色符號。

　　近年來洪東祿習慣於平面作品上，利用特殊的材質讓人體驗3D的視覺效果，但這樣的視覺效果卻沒有帶給人複雜的視覺負擔，反而帶給觀眾越來越簡單、清澈、流行與時尚感十足的風格印象。同時他也從不依戀於過去的創作成果，一心追求更多挑戰性的嘗試。唯一相同的是，每一次洪東祿的新作總會帶給人神秘氛圍，將人們的目光停留在延緩的時光流動中，讓觀眾的心靈感受因此而靜止駐留。

　　回顧在臺南藝術學院時期的求學時光，他認為自己的創作思維與概念深受多位老師所影響，其中特別讓他印象深刻的首推薛保瑕老師，薛老師精闢入理卻又不失清澈易懂的創作指導，帶了給他深厚的理論思維。而當時還只是兼任教授的顧世勇老師也讓洪東祿感受到亦師亦友的交流與概念指引。洪東祿認為南藝的老師與學生經常有著密切的互動和革命情感，他也曾經和現任校長李肇修教授一同經歷過那段南藝草創時期的艱難歲月。曾經絢爛曾經華麗的洪東祿，曾幾何時被市場包裝及詮釋的如此神祕、複雜且深奧，但這一次洪東祿希望大家能暫時拋開宣傳、形式與脈絡的干擾，不管是任何看不到或希望被看到的一切，都讓自己眼睛去看看「我們看見什麼？」。

　　在南藝大的校園裡，總會遇見一些接近年過半百卻依舊向學的學生，而學歷對他們而言，或許不再如年輕學子一般，是取得進入社會的門票。對早已歷經社會磨練的年長同學來說，學習的實質意義超越了學歷的象徵意義，而南藝大的學習環境也成為他們找尋答案與重新出發的補給站。
　　2004年，當時46歲的梁弘因為在好友，成功大學建築系教授王明蘅老師的推薦與鼓勵下，前來報考本校古物維護研究所(以下簡稱古物所)並主修油畫與木質文物修復(以下簡稱木質組)。考取臺南藝術大學之前，梁弘就曾以專業技術教師的身分在樹德科技大學建築與古蹟修復系任教，傳授他多年來的實務工作與修復經驗。國立藝專雕塑系畢業的他，多年來從事的工作領域非常廣泛，舉凡雕塑、 公共藝術、寺廟設計與維護、油畫修復、室內及傢俱設計，甚至烹飪都是他喜好且熱情投入的工作範圍。然而他坦言，來到南藝大受多位專業教授的指導後，才更加健全了自己的修護知識版圖，並幫助自己在事物邏輯的訓練上有很大的提升作用。過去梁弘在工作上追求的也許只是技術上的精進與突破，但來到古物所之後，他覺得自己的視野與觀念都變的更寬廣了。例如蔡斐文老師嚴謹的教學和研究態度，讓他在面對修護材質時，不僅是科學技術的精進，更兼具了藝術史及文獻探討上的考量思維。而林春美老師的示範指導，則是讓他在扮演修護角色或擔任修護師時，有了正確的理念方向。特別是具有木質修復專長的德籍教師魏理教授(Ulrich Weilhammer)，更是打破他多年來對於修護價值的既定觀感。魏理老師的一句話“Artist is always right.”至今仍令他印象深刻，同時也影響了許多學生對待文物或藝術品修護時，要如醫者對待病人般「視病如親」觀念。
　　其實在報考本校古物維護研究所之前，梁弘早已算是一位具備豐富經驗的文物修護工作者。但多年的工作資歷雖然帶給他諸多的實務經驗，卻一直沒有時間和資源讓他去靜心沉澱並深入鑽研專業領域的知識、趨勢及觀念，而南藝大古物所的教育環境正好給了他一個補給充電並完成心願的機會。投身於修護工作近三十年的資歷，梁弘深切的體會到這個工作的複雜程度與市場環境，因此他格外的佩服這些投身於古物維護教育的老師們，因為以老師們的技術、資歷及威望，在業界市場上本可以輕易獲得更高更好的待遇和資源，但他們卻甘心於此，甚至遠渡重洋前來奉獻所學。他知道古物維護領域稱職的師資難尋，而優秀的老師更是不容易像南藝的老師們這般，被密集的號召集結於此從事教育工作。
　　以過來人的經驗，梁弘認為本校的古物維護教學環境及資源不僅難能可貴，且仍掌握著優勢及契機。因為他親身感受到大環境有市場，台灣面對剛起步不久大陸市場具有優勢的資源及厚度，加上台灣沒有太多正統包袱的拘束，又接受很多來自東西方教育的多方技術及知識融合，我們是最有能力，最適合，也最接近及了解中華文化與藝術的專業人才。問題只在於南藝大的學生必須要有踏出去接受挑戰的視野和勇氣。古物修護是一個需要熱情，需要長時間經驗累積，需要興趣去維持耐心的繁複工作。南藝老師在求學期間給予的引導、方向、觀念及協助雖然只是基礎，但卻也是學生未來面對挑戰時的強大基石。這個行業的大環境問題不在於市場條件不足，而是在於人才培育的心理素質問題。腳步踏不出去，故步自封的守在台灣島裡，沒有接受外界挑戰的動力，敢於接受冒險的自信心缺乏，這些都是從事古物維護工作者的絆腳石。
　　目前梁弘主要從事的是傢俱創作、設計及油畫修護工作，以近期修復的台灣前輩畫家郭柏川畫作為例，他認為每次遭遇到這樣的委託案件，都是一次全新的挑戰與考驗，能夠完成委託，幫助作品的生命延續，是一種使命感。他從不認為有簡單或不值得修護的案件，因為每一個受委託的作品都有其獨特性及價值，只要接受委託，他必定都會兢兢業業的全力以赴。這幾年梁弘相繼修護過廖繼春、郭潤文、沈哲哉及郭柏川等諸位台灣及中國名家的作品，同時也主持或參與一些寺廟及傢俱的修復工作。即使是默默的當無名英雄，他仍自認是為歷史留下貢獻，這也是他多年來從事古物維護工作時的職志與理念。最後他希望有朝一日能夠分享經驗，提攜並帶領更多學弟妹一同參與實務修護工作，並引介多位專家前輩給予經驗傳承及指點，為古物維護的教育推廣工作盡上一分心力。

　　石材是如此堅硬、沉重的無機元素，必須透過思維的融合與技術的表現，才能創作出具有人性溫度的作品，而海洋與大自然的渾然天成與豐富多元，對於從事石雕藝術創作的本校校友侯連秦來說，卻是源源不絕、取之不盡的靈感來源。舉凡接吻、拼圖、雙手十指交叉、浪花、腦紋、肉質軟珊瑚、海葵、水流、貝殼、苦瓜、蛇的移動、橘子果粒、葡萄、花朵、葉子、驅蚊草、裙襬波浪、蕾絲、菱形網、拉鍊、齒輪…等，在這些看似截然不同的事物中，對侯連秦來說卻有著連續循環交錯的共同形象。透過創意的發揮，侯連秦重新連結生活經驗中的各種記憶形象，將之同化、融合和實踐在多樣貌的複合形式個體上。他創作中的「複合體」指的就是一個同時具備過往元素特質的新生命誕生，它不再是對已知對象的拷貝，而是一種對生命的重新認識，內在理想的塑造。
　　創作，對於喜歡安靜的侯連秦來說，是由內在開始的，所謂相由心生，有內在的組成才能構成外表〈形式〉的樣貌，創作者的人格、喜好和感受將決定作品如何形成，畢竟作品代表著創作者本身，符合自己才能理所當然。因此他始終認為「創作是一種內在的呈現而不是操作」，他的作品來自於喜愛觀察人事物的習慣，並從中一點一滴的累積對自然細節與生活的感受，所以創作其實是他內心的吶喊、渴望，創作過程也即是回應他自己的情緒抒發，當作品完成時，也就給了自我答案、滿足感。
　　回憶起這一路走向石雕藝術的歷程，侯連秦自小就喜歡畫圖，自國小三年級第一次從美術課本中認識梵谷的畫作後就立志當畫家，但後來卻因緣際會考上雕塑系，走上石雕創作之路。大三時由於受姜憲明學長的指導，而對石雕這門藝術有更多的認識和磨練，加上後來接觸過幾位畢業自南藝大的優秀石雕藝術家，便有了來南藝大進一步鑽研的想法。由於侯連秦知道石雕藝術本身就是項難度較高的藝術表現方式，必須好還要更好，才能夠突顯創作者的才華。因此在南藝大求學期間，他靜心沉澱到近乎心無旁鶩的境地，只知道要在作品上不斷的追求突破，把握當下每次學習與體驗的感覺與機會，對未來如何發展與規劃並沒有太多的預想，所以在他的作品中每每能展現一股出脫的純粹，也擺脫掉討好市場的迎合之風。
　　南藝大寧靜自然的環境，非常有助於創作者去專心發展自我獨特性的風格。在那段寧靜、孤寂又專注的創作時光中，侯連秦除了感謝指導老師屠國威教授的啟發外，更特別感念藝術史與藝術評論研究所徐小虎教授對他的賞識，不僅讓他深感榮幸，也讓他在這條非大多數人看好的創作之路上增強信心。徐小虎老師不僅看懂了他的可取之處並給與其鼓勵和建議，更讓他對藝術的真誠與真諦有了持續堅持的能量。徐小虎教授曾如此盛讚他：

      在一個普通的平常天，趁著休假來到科教館觀看「飛閱台灣空拍影像展」。我熱愛登山，曾經用自己的雙眼看過許許多多的山林。我是個導遊，曾經用自己的雙腳帶人走過大大小小城鎮鄉村。但從齊柏林的視野，我看見了感動與憾動。感動的是，他竟讓我熟悉的家鄉如此的美麗多姿，一點都不輸給國家地理頻道裡的世界景點。憾動的是，這片我所生長存活的土地竟有這麼多的傷痕與危機，從域望中我真實的的看見了人們永不滿足的慾望。這個展覽不只是一個影像展，它更是一個讓我們重新認識自己的生命檢視。也許我們早已習慣了從自己的視野是看待我們所以為的世界，但其實我們看到的，往往只是我們想看的和能看的一切。台灣如果沒有齊柏林的熱情，或許這片山川嬌媚與土地吶喊仍舊依然。但因為有了齊柏林，我們才有幸用更遼闊的視野去追尋我們切身相關的生存場域。

      台灣的美，我們在熙來攘往求生競爭的現代生活中，或許還沒有機會能仔仔細細去發現與品味。但台灣的劇變，卻一點一滴的漸漸影響到我們的生活與家園。其實飛閱台灣的攝影作品是很貼心的，因為在美麗的畫面下它會提醒我們潛在的危機與掙扎，而在殘酷的畫面後它又會引領我們尊敬自然邁向希望。仔細看完了這個展覽到最後，我的心也開始起了變化。我開始了解和體會齊柏林因何而起的熱情與鄉土之愛，我也漸漸放下那生活中的雞毛蒜皮與小情小愛。台灣很美，很值得我們用心去珍惜與品味，台灣也很勇敢，它需我們共同去支持和分擔已經造成的傷害！期待2013的電影作品，期待與這片土地的再一次親密震撼。加油，齊柏林！加油，我的家鄉「台灣」

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　　曾任藝術家雜誌主編的張晴文，在工作上、在文筆中始終給帶給人知性與細膩的專業形象。除此之外，她也是一位策展人、媒體人與藝術評論者，在高度的壓力與各種角色扮演之間，她認為自己之所以能夠面對挑戰、維持規律，並常保熱情的主要因素來自於她「一直在做喜歡做的事」。
　　很多人會認為從事文字工作必先要有飽學的涵養與文筆，有時候甚至要具備上知天文下之地理的能力，如百科全書般的博學、靈巧與變通。然而，張晴文卻認為在具備專業能力之前，最大的關鍵應該是「主動、熱情與興趣。」在資訊爆炸、即時且多元的現代，很多人對興趣的熱情多半只是停留在片面的認識，對藝術工作、對文字創作，甚至是媒體行業的嚮往也往往只停留在表面看得見的光鮮亮麗上。以過來人的身分，張晴文認為「認識自己，決定方向，全力衝刺」，才是熱情與興趣的表現。她坦言一路走自己很幸運，但幸運的背後絕對是付出過代價與努力的。
　　就讀成大中文系時期的張晴文，一直努力在找尋自己與文學創作的關係。本來對藝術領域全然無知的她，透過蕭瓊瑞教授的推薦，以及自己跨系選修「台灣美術史」和「藝術欣賞與評論」的課程，她決定了自己未來努力的方向，也因此她來到本校藝術史與藝術評論研究所(以下簡稱史評所)就讀。回憶起在南藝的求學歲月，她記得那時是史評所修業學分要求最高的時代，但她為了補足並提升自己在藝術各領域的視野，畢業之前她共修習了創紀錄的76個學分。另外，寒暑假期間她也於課程安排之外，主動提出實習申請，前往帝門藝術教育基金會及雜誌社實習。四年的研究所生涯，她紮實而豐富的為自己的興趣與熱情奠定了基礎。
　　在與張晴文的訪談中，她一直提到「熱情」的重要性，因為在她的觀念中，成功沒有什麼是絕對必要的條件或過程，所有的歷練與要求都應該源自於自身對任何需要的自然渴求，就像人渴了會主動找水喝一樣。南藝就像一座大型的藝術村，擁有豐富又多元的藝術資源與人才，關鍵就在於找到點燃自己熱情的方式。當年與外所同學之間的合作與交流，曾經帶給她策展歷練的初體驗，與各所老師之間的溝通與學習，也為她敞開不同角度的互動關係，南藝師長們給她的身教與言教，至今仍是她效法的模範。
　　2012年一月剛剛從台灣藝術大學藝術與文化政策管理研究所博士班畢業的張晴文，目前面臨生涯的轉型階段。她總是在最忙碌的階段給自己最極限的挑戰，因為她心中那股對藝術熊熊燃燒的熱情，始終指引著她去做她想做，喜歡做及應該做的事。從事雜誌媒體工作多年，她擁有許多的經驗與體會，現在的她希望能轉換方向，在取得博士學位後將精力投身於單純的教育與評論工作，讓自己能夠換個角色，繼續在藝術領域中持續奉獻並擁抱熱情。

　　觀看、體驗與生活，對大部分人來說，只是每天都要過的平凡日子，但對來自本校造形藝術研究所的畢業校友侯怡亭來說，這看似理所當然的平凡一切卻是她源源不絕，發現與創作的靈感來源。
　　以創作為業的專職藝術家侯怡亭，大部分的創作以數位媒材、錄像裝置及平面刺繡等作品為主，目前她正在台北伊通公園(台北市伊通街41號2,3樓)以「經驗視角」為題進行展出。由於從大學時代起就接受一系列的創作訓練培養，侯怡亭對於創作氛圍的感受已成為一種內化的生活經驗反應。打從研究所開始，她就積極在許多替代空間進行創作發表，因此在成為藝術家的過程中，除了創作本身，她也累積了許許多多的策展經驗和資源，所以在畢業後她才有機會接受畫廊的邀約成為一位以創作專職為業的藝術家。
　　然而每一種工作或職業難免都會產生倦怠或瓶頸，但侯怡亭卻認為「成就感」是支撐她不斷創作下去的動力來源。她認為自己的創作一路走來並沒有太多的刻意，成為藝術家也並非是她最初的生涯規劃，反而是在順著生活經驗與知識吸收的過程中自然發生的。在侯怡亭的觀念裡，在投入藝術創作前的準備是很單純的，因為她認為從事藝術創作需要的只有「決心」，然後接下來就是讓生活與創作融為一體。有別於一般的工作行業中有上下班之分，身為一個藝術創作者要時時刻刻能享受在「生活即是創作，創作即是生活」的狀態當中，這樣才有可能透過生活經驗去觸動概念或想法，然後源源不絕的延伸到創作上。
　　從侯怡亭的作品與創作論述中，可以感受到敏銳的觀察力和思辨能力，而這份自信，有許多來自於南藝求學時期的薰陶與涵養。不管是薛保瑕、顧世勇或是陳建北等諸位老師，除了言教及身教外，他們對侯怡亭最大的引導與示範作用，就在於身為一個藝術家的自詡與自律。尤其是以藝術創作為專職工作後，最基本的功課就是平時必須大量的閱讀與觀看作品，這樣才能夠看得見自己與別人的差異和距離。此外，南藝著重於思辯能力的培育方式，不僅使學生能透過許多開放性討論的機會，得到不受限的發揮、互動及回饋，更有助於接近當代思維，釐清自我脈絡與創作方向上的啟發。
　　要在「生活即是創作，創作即是生活」的狀態中創作，絕非信手拈來，輕鬆寫意般的看似簡單。除了不斷的自我突破外，與觀眾之間的關係也常常是現代創作者難以忽略的重要課題。如何考量作品從創作的開始，一直到展示給觀眾之後的互動關係，這層層相關的聯結觀念及訓練是侯怡亭認為南藝未來應該多讓學生去加強培養的部份。因為不管是否從事藝術相關的工作，這樣的訓練都有助於提升思考能力和視野角度的準確性。

　　如果要比較設計與創作之間的差異與共同點，最明顯的差異點應該是溝通，而最大的共同點仍就是溝通。不管是設計或創作，目前從事設計工作的本校畢業校友董福祺認為，溝通是讓別人認識自己與作品的最基本態度和方法，而溝通能力的培養也是創作層次再提升的一種契機與自律。
　　2003年畢業於本校造形藝術研究所的校友董福祺，目前服務於自己創立的摩久設計公司，他的設計作品由於充滿人文特質的互動熱情，因此受到許多文化合作單位的親睞。師大美術系科班畢業的他，在進入南藝就讀前是一個充滿創作慾望卻還不懂得溝通培養的單純創作者。而南藝開放的學風與自由啟發的教育方式，卻讓他在創作的過程中不斷意識到表達與互動是提升作品層次的另一條修練之路。也許有人會說，大師的作品通常是不需要多解釋的，作品自己會說話，無聲勝有聲。但他認為大部分大師所創造出來的作品風格和無聲境界，是需要長時間經驗累積與整理的結果。每個大師都曾經是默默無名的小咖，幾乎沒有人一開始創作就能直接達到那無聲勝有聲的境界。當然創作通常不會為了詮釋而詮釋，而現實的商業設計卻總是要為了詮釋而詮釋。其中的差異就在於，藝術創作往往是一種透過溝通而產生互動的感受分享，而商業設計卻經常必須承擔精確的目的性與利益關係。兩著的共同之處就在於，他們都需要，亦或者期待透過詮釋與溝通來獲得觀者的理解和反應。
　　面對這樣的角色衝突與矛盾，董福祺坦言一開始也曾經有點無法接受和適應不良，但回想起在南藝的時光，指導教授薛保瑕老師的身教及言教深深的影響了他的態度與觀念。薛老師的認真嚴謹，以及百分之一百二十分全力自我要求的態度，讓他體會到惟有自己準備好，才夠隨時從容的面對挑戰。基本的道理都是一樣的，在創作與設計的過程中，必須勇於展現自信，進而透過表達來突顯主題與特色。而自信不是憑空得來的自我感覺良好，而是需要透過自律、學習和體會的。
　　董福祺認為南藝大雖然地處偏遠，但卻像一個密不可分的大家庭，它讓同學與師生之間的生活、創作和學習都融合在一起，只要自己願意，創作就沒有侷限，問題也終究會找到值得參考的答案。設計是創作的一種出口，技術層面的提升不是最關鍵的問題，如何增加作品的內涵並利用知識去形塑獨特的風格才是最大的挑戰，而這也是一條不能閃躲也沒有藉口的必經之路。要有身為學生的學習態度，而不能因身為學生而給自己逃避的藉口。「學生身分」與「正在學習過程中」不應該是作品完成度不足的當然理由。自我期許，勇於嘗試最直接現實的挑戰，才能拼盡全力，才能看得到距離，而看得到距離才能掌握目標，有目標自然而然就會渴望補強不足，進而自動學習和精進。否則有朝一日，溝通裡終究會繼續存在批評與妥協，如果面對阻力時無法適應並轉化為助力，挫折感仍舊會存在，而未完成的仍舊是要想辦法完成並求取認同的。

(編採/簡政展)

　　近日在台北舉辦「周流‧複歌」個人最新作品展的徐永旭，是本校應用藝術研究所陶藝組的傑出畢業校友。努力、堅持、灑脫與謙遜，是徐永旭帶給週遭朋友最直接的印象，他不妥協、實驗性、反思性及持續性的創作特質，使他總是能更帶給觀眾一些不同的視覺驚艷與感受。雖然徐永旭與藝術創作的關係並非一開始就從陶土這項媒材開始，從事陶藝創作前，他曾經是一位專業的古箏演奏家。然而從一九八○年代末期，直到報考進入南藝攻讀碩士學位之前，徐永旭的陶藝創作之路從自我摸索到逐漸突破，進而邁向成熟的創作階段，他已然在陶藝界有一番成績與知名度了。但中年之後報考進入南藝就讀對他而言，卻是另一種層次界的再提升。
　　2006年(研究所三年級)可說是徐永旭近年來創作的一個關鍵分水嶺，這一時期的徐永旭，開闢了一條屬於自己的創作詮釋方式，他試著更大膽的擺脫既定形式的創作侷限，開始在陶土這項媒材上，利用創作這個動作，去嘗試表現一種存在與紀錄的過程。徐永旭這種獨特的美學觀點，不僅使他的作品近年來屢屢在國內外獲得獎項與肯定，也將土的創作帶入了一條新的道路，讓陶超越了陶的限制，形成了一種融合造型、行為表演與觀念的藝術創作。
　　從事藝術創作，徐永旭認為觀念和想法的引導才是一切的根源，因為有觀念和想法自然就會引領創作者去嘗試，去找尋答案，去歸根究底，去自我奠定技術能力的基石。在南藝就讀時，他認為最大的收穫便是觀念與態度的啟發，這也是南藝學風最引人入勝之處，不管是整體的氛圍、自由的環境、同儕的互動或是師長的交流，這個階段的學習與研究帶給他沉澱與昇華的良好契機。在徐永續近年來的創作中可以觀察到，對於個人極限的挑戰，一直是他最專注與精研的自我磨練及考驗，而指導教授張清淵老師在材質上的處理態度，則是啟發他進一步嘗試與突破的良好典範。除了技術層面的突破外，徐永旭與南藝各個系所老師們的觀念交流，也是提升他個人心理素質的重要因素，不管是對自我作品的反思與抽離，亦或在問題引導上的組織與架構，都是他嚴謹而持續邁進的重要參考與助力。
　　徐永旭是一個面對創作既專注又堅持的藝術家，他日復一日、年復一年規律刻苦的持續創作，彷彿是在依循一股律動、凝聚一種氣韻般，一直朝向身體的極限冒險。在創作上他願意嘗試任何的可能，卻也堅持絕不因市場影響而改變創作方向。面對後輩他從不倚老賣老，面對學習他總是認真而謙卑，面對批評他始終虛心接受、耐心傾聽，因為任何的意見與看法都源自於他那一雙手所創作出來的作品之上，他的作品已然說明了一切，紀錄的一切，表現了一切，從重複和堆積的動作中，不僅忠實準確地詮釋出材質所能傳達的本質，也在延續中展現紋理脈絡與氣韻的流動，以及種種思緒的繁衍狀態。誠如他所說：「在不斷重複與高度精神壓力下，他始終在追求極限的那條界線，而作品即是整個過程的紀錄，當作品完成並展示的那一刻，他也就暫時跳出來成為第一個純粹的觀者，面對作品也檢視自我。」

(編採/簡政展)

　　畢業於本校古物維護研究所(以下簡稱古物所) 的第一屆校友洪順興先生，目前任職於國立故宮博物院登錄保存處助理研究員。他認為自己開始接觸古物維護工作，起因於大學就讀國立藝術學院(現為國立臺北藝術大學)美術系水墨組時期所接觸到的裝裱課程，當時看到學長姐的裝裱工作而引發興趣，大學畢業後也就成立書畫裝裱工作室，一直投入藝術作品的維護工作至今。
　　回憶起就讀南藝時的初衷，雖然他先前在外工作的經驗豐富，但在維護技術及新觀念接觸的空間及資源仍舊有限，因此他認為透過系統性的學校課程學習，一方面能獲得更專業的知識來補強自己的不足，另一方面也能讓自己過去的經驗重新獲得整理、沉澱和精進的機會。在當時的課程設計上，他認為古物所的出國實習安排非常有助於學生個人實戰經驗的快速累積和技術精進。除了所上要求的實習時數之外，每年暑假他還會額外自發性的前往中國上海、美國與台灣故宮等地實習。在諸多實習的博物館所中，洪順興同時也是這些地方所接觸的第一位台灣古物維護研究實習生。因此在使命感上，洪順興始終認為實習不僅是為了自己，他也代表著南藝的形象，他的個人表現更肩負著為後輩鋪路的責任，所以對自己言行與實習表現始終有著相當高的自我要求與責任感，他的表現也一直是後輩學弟妹們依循效法的典範。
　　談到在南藝求學過程中的收穫，洪順興充分利用了所上各個領域老師的專業來擴充自己的多元面向與知識吸收。而他首先感謝的是指導老師張元鳳教授的引導，讓他吸收到很多日本方面的修復精神與方法，而這些的技術傳授與訓練更影響到他後來主要從事的東方繪畫修復工作。而另一位對他意義重大的蔡斐文老師，則是幫助他增強了紙質概念、材料學、生物病蟲害等學門的認識，同時也提升了他個人的修復涵養及眼界。以學習的角度而言，他認為南藝的學生在用功程度和學術涵養的本質上是沒太大問題的，但實際操作時的接軌與經驗卻仍顯不足。在古物維護的領域裡，除了一雙靈巧的手，一顆持之以恆的耐心外，求進步的關鍵還是在於能夠隨時掌握市場動向和新知，進而懂得如何因應市場的需求和趨勢。從事古物維護工作本是一件煩瑣又重複性極高的工作，除了自律、耐心和毅力外，跨領域的多方面接觸是增加生活樂趣，提昇工作效率的必要道路。
　　回想起求學的歷程中，能和各系所及各種領域的同學接觸，是他認為自己一直能夠保持活力和熱情的重要原因。因為跨領域的互動，才能讓他理解和反思自己的侷限與不足，所以他認為學校該最急需努力的其中一個方向，就是應設法讓獨立的各個系所單位能更密切的交流互動起來，因為學校時期建立的關係都將是未來人生中的珍貴後盾與資源。
　　由於豐富的經驗和傑出的表現，洪順興近年來也受邀到許多學校任教並傳授寶貴的技術及觀念。但他坦言自己喜歡教書是因為自己一直把教書當作是一個舞台，除了可以讓自己盡其所能的展現才華外，還能夠把學習過程中樂趣帶給學生，畢竟學習是需要靠自己以外，更需要在長時間的自我要求下實現與挖掘，能在成就自己的同時，幫助別人也體會學習的樂趣，才是他教學的最大成就感所在。這幾年洪順興也回到南藝授課，他認為南藝的學生與它校學生相較起來，在學習態度和認真程度上其實並沒有太大的問題，甚至有時還比較自律及認真，但是他們所欠缺的共同點卻是學習時的活潑與熱情。學習應該是一條持之以恆的道路，在古物維護的道路上更是一條無止盡的漫漫長路，唯有燃起學習的熱情，才能夠在學習的過程中時時刻刻能自我實現並從中找到屬於自己的樂趣所在，而這樣的學習與技術訓練也才能夠持久下去。因為古物維護或修復工作大體來說，是因地制宜的，雖然技術可以專研，方法可以因襲傳承，但是不同的地域、國家、目的與市場需求等，都會間接或直接影響既有的維護觀念及態度。

　　談到顏水龍，很多人都知道並公認他是二十世紀臺灣美術史上最重要的前輩藝術家之一。但是他的藝術地位不只是因為豐富的美術作品，更來自於他對美術意義的推展與關懷，顏水龍讓美術的範疇在他有生之年盡其所能的推向更多元的境界，不僅深入生活與公眾兼具時代性，更常常富有實用性與未來感。
　　相較於眾多臺灣前輩藝術家，顏水龍的美術訓練及求學歷程絲毫不遜色，不僅曾赴日本及法國留學，他的畫作更曾經獲得法國秋季沙龍的肯定，在當時臺灣美術繪畫的地位更已備受推崇。但顏水龍對於美術的追求與探索就像文藝復興時代的達芬奇一般，永遠沒有設限與止境。執著、突破又具遠見的美術推廣思維，不僅為自己的一生帶來許多傳奇、多元又豐富的作品，更深深的影響了臺灣。雖然顏水龍不是一個科學家，也沒有任何顯著的科學學術背景，但他將美術帶往了人文，帶進了建築，帶上了廣告，更帶向了公共建設與工藝作品研發上。在現今「文化創意產業」一詞，還未成為朗朗上口的文化建設口號之前，顏水龍已經老早就投入繪畫之外的各項美術創意文化工作了。
　　在人文關懷上，除了臺灣的鄉土與人物外，顏水龍的作品充滿著對原住民族的觀察與體會，在他眾多的繪畫作品中，巧妙的利用顏色的亮度與彩度，充分表現原住民族的性格特質與民族信仰。建築上，許多臺灣的公共建設或宗教建築都能看的到顏水龍的作品，而他的作品不只為了美化建築，更賦予了建築物本身的故事性與特色內涵，使得建築物因他的作品而相得益彰。在廣告上，顏水龍最為人所津津樂道的其中一件作品，就是為臺中太陽堂餅店所設計的向日葵馬賽克壁畫圖樣，向日葵不僅成為了最具代表性的太陽餅標誌，更成為老店傳承的指標與象徵，以現今廣告CIS的專業設計觀點來看，顏水龍用他靈巧的智慧做了最好的詮釋。而在生活工藝方面，顏水龍不僅親身向民間工藝師傅學習傳統工藝技法，更融會貫通地將民間工藝推向更高水平的實用和觀賞價值，顏水龍當年的創作與現今許多國際設計研發作品相比，仍絲毫不遜色，甚至有許多經典設計被沿用至今而不退流行。
　　顏水龍一生追求的不只是個人名利或成就，身為殖民地時代臺灣第一代知識份子，他富有深刻的使命感，拋開既有的榮耀與包袱，始終抱持著創新、探索與成功不必在我的永續創作精神，就如同當年為臺灣開創現今科技大國榮景的孫運璿與李國鼎先生一樣，顏水龍在民間默默的為臺灣生活美學建立起基礎及典範，舉凡繪畫、工藝、商業設計、公共藝術及都市規劃等，都曾因他潛移默化地影響著我們現在的生活。當年為了建立工藝傳承與研發的永續經營理念，他還曾創立「南投縣工藝研究班」(國立臺灣工藝研究發展中心的前身)，因此被譽為「臺灣工藝之父」。走進顏水龍的美術世界，我們看到的不只是一個藝術家的作品與詮釋，更看得到是他那溫暖的美術關懷與實踐，以及他要人們看得懂、感受得到的美術理想。這是現今許多講求自我表現及反映社會現況的當代藝術作品中所難以體會到的。也許時代不同，也許環境變遷、觀念變異，但值得品味的美感是不會隨著外界的變化而褪色的。
　　目前正在臺北美術館展出的《走進公眾‧美化台灣─顏水龍》特展，即日起展出到2012年2月26日止，除了能讓民眾一窺顏水龍較為完整的作品與創作歷程介紹外，也值得大家透過此次展覽再度重新認識我們生活所在的寶島臺灣。